Movimiento neoclásico en América

Cuando la época colonial casi llegado a su fin, la arquitectura y el estilo de arte que en base a un estudio preciso de la antigua romana y griega comienza a aparecer en Europa y América. Este cambio en el gusto coincidió con la Revolución Americana, causando el estilo neoclásico a ser identificado con los valores políticos de la joven república. En la decoración de interiores, el estilo de Adán (ver a Adán, Robert), como lo era entonces conocido popularmente en Inglaterra, se tradujo pronto a utilizar estadounidense a través de los libros de patrones de Aser Benjamín.
Con el fin de la era colonial, el nuevo estilo empezó a surgir, por ejemplo el estilo federal Charles Bulfinch y Samuel McIntire en Salem, y son uno de los pocos arquitectos americanos nacidos y diseñadores. El movimiento neoclásico Se hace también el estilo principal para la arquitectura, cuando el entonces presidente George Washington y Thomas Jefferson pensó seriamente en la arquitectura, donde ambos ponen gran recurso en la planificación y la construcción de Washington, DC estilo neoclásico es donde la gente está copiando el estilo clásico y se toma como una inspiración, donde el uso de Roma como la principal referencia. la concepción de Jefferson de los ideales de la belleza romana y la proporción se expresó con elegancia en su diseño para la capital del estado de Virginia en Richmond (1785-1789).



Durante la primera mitad del siglo 19, la arquitectura es muy dominante con sólo unas pocas personas, el campo de la arquitectura se mejoran mucho con la llegada de más arquitectos europeos, por ejemplo, el Inglés nació Henry Benjamín.
Libro Arquitectura pero empieza a superficie y hacer una influencia en todo el mundo. Los libros de patrones más tarde de Aser Benjamín y las de Minard Lafever difundir el gusto por el clasicismo más allá de las principales ciudades de la costa este hasta el interior del país.


Arquitectura neoclásica en América


En América hay cuatro tipos principales del neoclasicismo:


Federalista:



El estilo federal toma su nombre de la historia de Estados Unidos, este período histórico (1783-1815) era de suma importancia para el establecimiento de los Estados Unidos, sino que vio el final de la revolución, la creación de Artículos de la Confederación, y, finalmente, la Constitución de los Estados Unidos y la Declaración de Derechos. Este fue el período de los grandes hombres de su tiempo, padre fundador de América, como George Washington y Thomas Jefferson, donde tienen sus ideas y transformarlo en realidad.

A raíz del fervor en torno a la formación y la forma del nuevo país, los padres fundadores buscaron crear una identidad nacional para obligar a la nueva república y sus ciudadanos juntos. Por esta identidad, se miraron a la misma fuente que les había dado tanta inspiración durante su búsqueda de la independencia - la sociedad de la antigua gran Roma. Tratando de dotar al país de los atributos que había convertido a Roma en la gran sociedad de la antigüedad, los padres fundadores de esta nueva federación miró a esta antigua ciudad como un modelo para su propio gobierno, la educación y las artes.

Las características estilísticas que para cambiar el estilo Federal además son numerosas e incluyen: un techo bajo agudo o plano que se ocultaba detrás de una barandilla por lo general, molduras de un bajo relieve y delicada ornamentación. Cuando una orden clásico está presente (es decir, dórico, jónico, etc) el capital es muy pequeño y las columnas son delgadas. Se hace hincapié en la entrada central, que a menudo se distinguen con un pequeño pórtico de una historia, un tragaluz de coronación y luces laterales estrechos. Otra ornamentación se basa principalmente en líneas curvas, así como una ventana palla diana situado dentro de un arco de empotrar en pared, y circular o elíptica ventanas. El espacio interior se distingue de la arquitectura colonial por el uso de la asimetría, el óvalo se presenta como una forma de sala y el diseño de un siglo de antigüedad de cuatro habitaciones cuadradas dispuestas alrededor de un pasillo central fue dejado de lado.

Idealistas:



El estilo idealista durante la época neoclásica es mejorar a través de la dirección de Thomas Jefferson, el estilo principal se basa en el enfoque intelectual y moral al clasicismo, al principio vinculado a los modelos romanos. Valores simbólicos y asociativos subrayó, con el objetivo de crear un expresivo, "arquitectura parlante". El mejor ejemplo: Thomas Jefferson.

Racionalista:

Estilo racionalista es una práctica mucho menos a través de la época neoclásica, el estilo principal es donde se hizo hincapié en la estructura y las técnicas clásicas de construcción, tales como la bóveda de piedra y las bóvedas.

Renacimiento griego (1818-1850):




Este estilo es el más popular durante la época neoclásica, desde 1850 hasta 1950. La principal característica de este estilo se basa en el uso de formas y de la antigüedad clásica. El estilo es mejorar aún más a través de la exposición en feria mundial de Chicago, donde muchos arquitectos presentar e intercambiar su idea de hacer una mejor arquitectura neoclásica.
Arquitectura edificios durante ese periodo son generalmente más grandes que un nuevo periodo, por ejemplo, el periodo de renacimiento griego. El estilo de los griegos no muestra ninguna tendencia de multiplicar los ángulos y proyecciones, que tiene ciertas características como la amplia superficie de la pared extensiones. Durante este período las órdenes griegos se emplean con más frecuencia que el romano, y de acuerdo con estas ventanas y puertas son adinteladas en lugar de arco; pórticos frontón son características frecuentes. Junto columnas no se utilizan. Al igual que en el clasicismo Beaux-Arts, fachadas son simétricas. Por lo general tienen un pórtico visual importante de ancho completo con toda la altura de la madera o la piedra columnas clásicas (0ften tener corintio, dórico, jónico o capitales), o con columnas cuadradas (a veces vinculados) y pilastras de altura completa, o un pórtico similar sólo de un piso.
Los techos tienden a mostrar una línea de adornos. El techo de dos aguas-parte es común, pero a cuatro aguas o tejados gambrel también se puede encontrar. En la víspera o en cajas vísperas hay un voladizo moderado, con balaustradas con frecuencia se encuentra justo encima de los aleros. Neo-Clásica Revival edificios son a menudo adornados con estatuas.
Las ventanas son de guillotina, simétricas, con dinteles de arriba, a veces se producen en parejas o en grupos de tres. En los hogares que están enmarcadas por un ala superior por lo general con seis o nueve paneles, y un marco inferior ya sea con el mismo número de paneles o un solo panel.

Neoclásico en América:

Arquitectura neoclásica tiene una variedad de estilos, que van desde el estilo georgiano rectilínea a la más agraciada, modo curvilíneo ideado por el diseñador escocés Robert Adam y aprobado en los Estados Unidos en forma de estilo federal. Simetría, ventanas arqueadas Palladio, un tragaluz en el centro puerta de entrada, piezas de fundición dentículo debajo de la cornisa, y las columnas o pilastras decorativas son los elementos básicos de este estilo arquitectónico. Circular ventanas, salas ovales, y arcos decorativos también caracterizan a la de Adán y estilos Federal

Diseño interior incorpora elementos de estilo neoclásico antigüedad griega y romana para crear equilibrio y refinamiento. Los colores son pálidos y calmantes: crema, piedra, gris, azul pálido. Los pisos son de pino luz, piedra o mármol, cubiertas con alfombras florales persa o tejidos. También se puede aprovechar mejor el color, con moderación: barro negro y firme para una sensación griega, o de color rojo oscuro y oro, con un aire imperial, romano. Wallpaper en geométricos, florales o diseños clásicos es también apropiado. Detalles de la clásica puede aparecer en cualquier lugar que desee. Columnas o pilastras flanquean la chimenea. Mármol o madera con incrustaciones geométricas adorna el piso de la entrada. Murales o papel pintado que representan escenas mitológicas o la arquitectura antigua crear un drama en el comedor. Molduras es importante, y se pueden caracterizar por un patrón dentículo, festones, guirnaldas, huevo y formas dardo.


Las columnas son los elementos más reconocibles de la concepción neoclásica, uno de los estilo de utilizar la mayoría columna es la columna dórica, que es de nada menos que el estilo griego se encuentran en los edificios, tales como el Partenón. Otras columnas también lo hizo en los edificios neoclásicos son la columna dórica, la columna jónica tiene adornos en forma de desplazamiento en la parte superior, y la capital de la columna corintia está decorada con hojas de olivo, laurel o de acanto. A principios casas americanas del siglo XIX, ya sea Federal, el renacimiento griego, o Colonial del Sur, con frecuencia disponen de entradas de columnas o porches. En más casas modernas, las columnas pueden transformar cualquier espacio en un templo griego: el comedor, el hall de entrada, el maestro baño. Muebles en estilo neoclásico son típicamente ligeros y sencillos, basados principalmente en el estilo griego de muebles.

El Neoclásico

Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento.
Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.

CARACTERÍSTICAS GENERALES: Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas. Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas dadas por la razón. En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática
ARQUITECTURA: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.

ESCULTURA: Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.

PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron

Arte Rococó

El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1770.

El Rococó se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y de las relaciones humanas. Es un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.




Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.

Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.
Definición del Arte Rococó
El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.
Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.
Características del Rococó
En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.
En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

Arte Barroco

La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. La pintura adquirió un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas, y llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.

Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.

Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior.

El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóveda, que se intentan «romper» visualmente, mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV, o Correggio en sus frescos de Parma. Estas decoraciones ilusionistas proliferaron en toda la segunda mitad del siglo y se prolongaron más allá, en el Rococó, en grandes palacios de toda Europa, reforzando el engaño no ya sólo con elementos pictóricos sino reforzándolo mediante el uso de estucos y dorados.

Arquitectura Barroca

La arquitectura barroca se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. El barroco se da también en otras artes, como Música, Literatura, Pintura y Escultura. El interés que sustenta la arquitectura es el de hacer marketing y urbanizar. Juega un papel muy importante, un ejemplo de ello, sin irnos más lejos, la plaza Mayor de Madrid. Sigue una armonía y su monumentalidad crea un ambiente propicio de una ciudad rica, justamente la pretensión de los artistas barrocos. Hace falta aclarar que el paradigma de este estilo se halla en la megalomanía de Luis XIV, con las reconstrucciones de Versalles. Los materiales propicios de construcción en la arquitectura barroca son los materiales pobres sin ningún valor aun así viendo la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poco con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de calidad como el vidrio de carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros. Los elementos constructivos no presentan ninguna novedad, ya que siguen los órdenes clásicos del Renacimiento; la diferencia es que en el Barroco se contraponen elementos arquitectónicos utilizándolos con cierta libertad e individualidad. No se pierde la armonía sino la perspectiva renacentista, que abarca el espacio del espectador. El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. De hecho, al situarse justamente en la entrada de la plaza se puede observar la altitud del obelisco, pero al adentrarse en dirección a la basílica de San Pedro aparecen las inesperadas columnatas que rodean el perímetro de la Plaza. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.


Plaza Mayor de Madrid



Plaza San Pedro

La Primavera

La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho.

Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas de orfebrería, representadas minuciosamente, como el casco y la empuñadura de la espada de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias.

Los historiadores y los críticos no se muestran totalmente de acuerdo sobre el significado del cuadro, ya que nos muestra en un solo plano una serie de escenas que podrían parecer incluso inconexas, pero estarían ligadas por un hilo conductor en consonancia con las claves mitológicas de la escuela florentina. En el centro de la imagen, sirviendo además de eje compositivo nos encontraríamos con Venus, destacada no tan solo por la posición preminente, sino porque en torno a su cabeza, se dibuja una especie de aureola con la vegetación. Aparece representada con los atributos de una mujer casada, simbolizaría la fuerza creadora del orden natural. Sobre ella se encuentra Cupido, que lanza una de sus flechas hacia una de las ninfas que acompañan a Venus. A la derecha del espectador aparece Céfiro, uno de los vientos, que persigue a la ninfa Cloris que, en el momento en que éste la toca empieza a expulsar flores por la boca para transformarse en Flora, diosa de la vegetación y de las flores, que nos mira sonriente a la vez que parece ir esparciendo las flores que conforman su vestido. A la izquierda (del espectador) se representan las Tres Gracias, las servidoras de Venus, muy apreciadas por los neoplatónicos, que les van a atribuir las mismas virtudes que a la diosa. Aparecen realizando una especie de danza, vestidas con telas semitransparentes, correspondiéndose la que está más a la izquierda del cuadro con “Voluptas”, la de la derecha con “Pulchritudo” y la que está de espaldas, hacia la que apunta la flecha de Cupido, con “Castitas”, que precisamente se vuelve hacia el dios Mercurio, pintado a la izquierda de la composición. Mercurio, mensajero de los dioses, sería también el nexo de unión entre la tierra y el cielo.
Mediante este complejo relato se trataría de crear uno de los círculos neoplatónicos del Amor. Éste surge en la tierra mediante la pasión (representada por la actitud de Céfiro) y regresa al cielo como contemplación (la de “Castitas” hacia Mercurio y la de éste hacia el cielo). Esto para un neoplatónico es lo mismo que decir que el amor carnal no es el verdadero (así desaparece al tocarlo, igual que Cloris), sino que debe convertirse para que sea real, en un amor contemplativo, espiritual e idealizado (platónico).
L
a composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médicis. No obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici. Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio, Lorenzo, en latín Laurentius.
En suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas

Arte Flamenco

Dentro de la pintura flamenca existen varias escuelas: la italianista y la reaccionaria durante los siglos XV al XVI, y la naturalista o colorista de la Escuela de Amberes del siglo XVII.
Las dos primeras hacen referencia a la pintura de los Países Bajos que surgió dentro del Renacimiento Europeo. Estaban formadas por un conjunto de artistas relativamente aislados de la revolución del Renacimiento y algunos, como la escuela reaccionaria, contrarios a influencias italianizantes.
Aún conservaban rasgos del estilo gótico, técnicos, como el uso de la tabla en lugar del lienzo, y temáticos, sobre todo religiosos y espirituales. Sin embargo, su habilidad detallista e intereses les impulsaron a investigar y a descubrir de forma empírica la perspectiva, a perfeccionar la técnica del retrato al que dotaron de gran profundidad psicológica y a reivindicar el paisaje como tema pictórico.
Su concepción medieval del artista como artesano evitó que muchos de estos pintores fueran conocidos puesto que bastantes no firmaban sus obras hasta bien avanzado el siglo XVI. Tampoco se entregaron demasiado a la reflexión sobre su arte por lo que son escasas las biografías y los tratados sobre sus técnicas, aunque alguno nos ha llegado.
De la pintura flamenca se pueden observar obras maravillosas en España, ya que sus reyes fueron admiradores de su pintura. Destacan por su importancia los depósitos del Museo del Prado, como por ejemplo el retablo del Descendimiento de Van der Weyden.

Características

La pintura flamenca carece de precedentes en gran formato, a excepción de las vidrieras. Pero sí en las miniaturas, sobre las cuales posee una larga tradición de excepcional calidad. Esto determinará algunas características del arte flamenco, como serán el empleo de colores brillantes, que recuerdan a los pigmentos usados para la iluminación de las miniaturas. También el detallismo aplicado a estas pequeñas obras maestras se transmite a la pintura de gran formato. Este rasgo lo permite en gran medida el avance técnico que sobre el óleo que ya existía, pero tenía un proceso de secado tan lento que no lo hacía demasiado útil.
Los pintores flamencos del s. XV no inventaron la técnica al óleo, pero si se encargaron de aplicarla sistemáticamente, contribuyendo a su consolidación y difusión durante el siglo XV y XVI. Utilizaban tintas fluidas y transparentes, aplicadas por medio de veladuras para obtener las luces, para sombrear delicadamente, o para matizar el color del fondo.
Los flamencos usaban una técnica mixta de temple y óleo. Una primera capa, normalmente al temple, se usaba para definir el dibujo y el modelado con sus luces y una ligera indicación del color. La siguiente capa, al óleo, servía para que el artista se dedicase exclusivamente a la representación del efecto cromático.
Conservaron como soporte, sin embargo, la tabla, que había sido el más importante durante la Baja Edad Media, a pesar de que en Venecia ya se estaba empezando a generalizar el uso del lienzo. Esto es indicativo de lo íntimamente unidos que estaban los conceptos de artista y artesano aún en aquella época.


Reivindicación del paisaje

En un cuadro flamenco encontraremos una escena que siempre remite al paisaje, bien sea a través de una ventana, bien porque se desarrolle efectivamente al aire libre. Estos paisajes se realizaban sin apuntes del natural, con lo cual sus elementos estaban completamente estereotipados: la forma de las rocas, aristadas y sin vegetación, las ciudades en la lejanía, torreadas y de colores, los árboles en forma de pluma, con troncos delgados y largos, etc.
Los personajes se distribuían equilibradamente, bien en el centro si era uno sólo, bien simétricamente si eran varios. Las acciones eran muy comedidas y apenas se dejaban lugar al movimiento. Los personajes podían compartir pero jamás robar protagonismo al paisaje.



El retrato

Flandes es, además, una de las primeras regiones en llevar a cabo retratos con penetración psicológica del modelo. El retrato típico flamenco, que será adoptado con éxito en España durante siglos, es el que capta al personaje de menos de medio cuerpo, no frontalmente, sino ligeramente girado sobre sí mismo, sobre fondo neutro de color oscuro, e incluyendo el rostro y las manos con algún símbolo.
El hecho de que el personaje aparezca levemente girado permite involucrarle en el espacio, el cual no se representa mediante trucos de mobiliario o fondo arquitectónico. Tan sólo la presencia de la figura, sobre un fondo perdido, insinúa la existencia del volumen y el espacio que ocupa.
Posteriormente, ya en el siglo XVII, en la escuela de Amberes el retrato flamenco evolucionaría hasta su máximo esplendor en un estilo más naturalista y colorista.



Jan van Eyck

Jan van Eyck (Maaseik, c. 1390 - Brujas, 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto a Robert Campin, en Tournai. Fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamado los Primitivos Flamencos.
Van Eyck tiene como antecedentes que le influyen a los hermanos Limbourg —extraordinarios miniaturistas—, al escultor Claus Sluter —la forma de representar los pliegues de las telas que Sluter hace en piedra es prácticamente la misma forma con que van Eyck pinta los pliegues de las telas—, y el poco conocido pero valioso pintor Melchior Broederlam.
Van Eyck es calificado de pintor naturalista. Tal afirmación es bastante cierta, viéndose corroborada en la representación de Eva y Adán, desnudos, en la parte superior del Políptico de Gante, retratados sin idealizaciones y sin demasiadas censuras: Van Eyck les ha pintado casi todos sus pelos. Es de este modo que ha acercado lo religioso a la vida cotidiana en una humilde majestad y belleza.
Su obra más destacada fue:

El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Políptico de Gante o el Altar de Gante es un retablo o conjunto de cuadros o tablas pintadas al óleo por los hemanos Hubert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante.